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Ouverture
de la salle des Arts
premiers :
le Louvre au cœur de la tourmente.
Les
choses ont bien mal commencées au pavillon des Sessions où s’est
ouverte la semaine dernière l’imposante exposition d’une partie de
la collection destinée au futur musée des Arts Premiers du quai
Branly. A croire que les multiples pièces rituelles qui y sont exposées
n’ont rien perdu de leur puissance magique ! A peine inaugurés,
les murs sables du splendide bâtiment
réordonné par l’architecte J-M Willmotte résonnent
d’une nouvelle controverse ; trois des pièces de l’exposition,
des sculptures Nok, proviennent de pillages au Nigéria. Cet incident,
dans la difficile mise en place d’une politique culturelle cohérente
pour les
« arts premiers » en France, cristallise en quelque sorte
l’essence même du débat qui secoue le monde des arts et de la
culture depuis près d’un siècle déjà.
Lorsque
le poète Apollinaire, en 1909, prêche pour l’ouverture au Louvre
d’une section d’art primitif, il exprime au fond le sentiment de
toute une génération d’artistes qui, par le truchement de la
colonisation, s’est trouvée confrontée à ces objets venus
d’ailleurs. De Picasso à Matisse en passant par les surréalistes,
tous sont fascinés par cet art sans artiste, sauvage et envoûtant ;
ils se poseront bientôt en défenseur d’une universalité de l’art
jusque là confiné aux seules productions occidentales.
Parallèlement,
le formidable essor des sciences de l’homme au cours des cinquante
dernières années et l’émancipation progressive des peuples colonisés
modifient considérablement les termes du débat. A la fascination esthétique,
viennent s’ajouter les connaissances anthropologiques ; les
objets prennent un sens, une fonction, et l’on commence à poser l’épineuse
question de la contextualisation des pièces.
Entre
ces deux démarches, ces deux regards, le dialogue est difficile, voire
impossible. Les spéculations financières, pour le moins disproportionnées,
et les phénomènes de contrebande
dont font l’objet les œuvres d’art indigènes ont achevé de
braquer les esprits.
C’est
dans ce difficile contexte que voit le jour l’exposition au Louvre de
120 pièces d’art issues des cultures d’Afrique, d’Asie, d’Océanie
et des Amériques. Sélectionnées sur des critères esthétiques par le
collectionneur professionnel Jacques Kerchache, les différentes œuvres
sont présentées isolément, avec sobriété, dans un immense espace
arrangé pour que le visiteur puisse déambuler autour des objets,
saisir leur forme, leur couleur sous tous les angles
et familiariser son esprit avec leur esthétique déconcertante.
La pureté géométrique de la statuaire océanienne, le réalisme envoûtant
des masques amérindiens ou la complexité baroque des fétiches
africains sont passés au crible du regard de l’esthète. L’objectif
est clair : il faut réussir à faire comprendre au public du
Louvre que ces objets ont, aux yeux de l’histoire de l’art, la même
valeur esthétique que la Vénus de Milo ou qu’un tableau de la
Renaissance italienne. Peu d’explication en somme avant cette dernière
salle, qui, dans un sursaut coupable, vient offrir à notre imaginaire
en déroute quelques pistes de réflexion sur les magnifiques pièces
exposées. On ressort ébloui d’abord, car le coup d’essai est à
n’en pas douter un coup de maître, mais aussi et surtout envoûté,
parce qu’au-delà des choix esthétiques de Kerchache, de son credo
contre l’ethnologie et pour l’universalité de l’art, ce sont les
objets qui prennent le dessus, qui éclatent le verre trop poli qui les
protègent et viennent irradier de toute leur puissance occulte
l’espace du pavillon des Sessions.
Juliette
Barbara
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